LA DIMENSION TRANSCULTURELLE DU MASQUE

de la Comédie de l’Art à la danse balinaise Topeng
de 19 au 29 Septembre 2016, près Spazio Teatro (Vico Pallonetto à Santa Chiara 15), NAPLES organisée dans le cadre du festival de théâtre “Les Voyages du Capitaine Matamoros“, par la coop En Kai Pan et Association Théâtral Aistheis

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THE CROSSCULTURAL DIMENSION OF THE MASK

from the Comedy of Art to the Balinese Topeng

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from 19 to 29 September 2016 at Spazio Teatro (Vico Pallonetto a Santa Chiara 15) NAPOLI organized as part of the theater festival “The journey of Captain Matamoros” by Coop En Kai Pan and Theatrical Association Aistheis

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LA DIMENSIONE TRANSCULTURALE DELLA MASCHERA

dalla Commedia dell’Arte al Topeng balinese

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dal 19 al 29 settembre 2016 dalle ore 9,30 alle 14,30 presso SPAZIO TEATRO Vico Pallonetto a Santa Chiara. Per info e prenotazioni: tel 339 6235295; mail associazioneteatraleaisthesis@gmail.com oppure tizianaaisthesis@gmail.com

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L’inevitabile frammentazione del reale: Woyzeck di Georg Büchner e Madre Courage e i suoi figli di Bertold Brecht

Quando Georg Büchner muore, nel 1837, a soli 24 anni lascia una manciata di fogli non numerati, scene di una tragedia a cui stava lavorando ispirandosi non a grandi miti o a personaggi storici, come era in voga all’epoca e come aveva già fatto con le sue prove precedenti, Leonce und Lena e Danton’s Tod, ma ad un fatto di cronaca nera: un soldato uccide la sua amante per una bieca questione di gelosia. Le pagine vengono combinate insieme, “montate”, e miracolosamente prende vita una delle figure più controverse e influenti di tutto il teatro contemporaneo.

Scene dell'opera teatrale di Georg Büchner
Scene dell’opera teatrale di Georg Büchner

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Zio Vanja – Anton Cechov

La terza settimana di Quaresima sono andato a Malizkoe per un’epidemia…tifo petecchiale …nelle isbe la gente ammucchiata…sudiciume, fetore, fumo, i vitelli sul pavimento assieme ai malati…i porcellini pure…mi affannai tutto il giorno senza sedermi, senza toccar cibo e, quando giunsi a casa, non mi diedero tregua: mi portarono dalla ferrovia un deviatore. Lo adagiai sul tavolo, per operarlo, e lui mi muore sotto il cloroformio. Ed ecco, quando non era più necessario, si svegliarono in me i sentimenti, e la coscienza prese a rimordermi, come se di proposito lo avessi ucciso.

Con queste parole il medico Astrov commenta, poco dopo l’apertura del sipario, la stranezza della condizione umana, l’improvviso risveglio dei sentimenti capace di sorprendere anche l’essere umano più disincantato. E non è solo il senso di colpa di Astrov a risvegliarsi in Zio Vanja di Anton Cechov. Nella tranquilla tenuta di campagna che il quarantenne Vanja e l’adolescente Sonja amministrano in maniera infaticabile al solo scopo di finanziare la carriera intellettuale di Serebrjakov, padre poco amorevole di Sonja e cognato irriconoscente di Vanja, irrompe all’improvviso proprio Serebrjakov portando con sé la sua giovane e bella moglie Elena. La tranquilla e monotona vita di campagna si rovescia: si vive di notte e si dorme di giorno, il samovar non smette mai di bollire, si mangia e si beve con grande spreco di denari e soprattutto esplodono emozioni assopite da anni. La piccola Sonja si innamora di Astrov, che però è attratto irresistibilmente da Elena, la quale lo ricambia sfuggendo la corte serrata di Vanja, che l’ha incontrata anni prima non riconoscendo in lei l’amore e adesso il rimpianto unito al bisogno di rivalsa sull’avaro cognato lo spingono finalmente all’azione. Si disegna,così, uno schema drammatico degno di Sardou, ma Cechov e’ un uomo del Novecento e i suoi personaggi scopriranno che le scelte prese in gioventù senza pensarci troppo hanno il potere oscuro di condizionare le  loro interep esistenze. Il dramma si consuma e non lascia ne’ morti ne’ feriti, come il temporale estivo che accompagna l’azione e’ violento ma non ha il potere di cambiare le cose. Zio Vanja non riesce a diventare tragedia ma e’ troppo amaro per essere una commedia. I protagonisti sopravvivono e riprendono la loro routine con la consapevolezza che c’è stato un momento in cui la vita gli e’ passata accanto e avrebbero potuto coglierla ma ora è tardi e non resta che aspettare e sperare che passi di nuovo.

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Zio Vanja sarà al centro della quarta lezione spettacolo de Il Teatro e il Suo Doppio in cui Stefania Bruno e Antonella Cilento, rileggendo e analizzando passi tratti da Zio Vanja di Anton Čechov, cercheranno di rispondere a queste domani e ci condurranno in un viaggio nella nostra tradizione teatrale. Una tradizione che prenderà vita sulla scena grazie a Luca Gatta e alla compagnia teatrale dell’Associazione Teatrale Aisthesis.
Il regista avellinese e i suoi attori infatti, prendendo spunto dal loro lavoro di training teatrale, sveleranno al pubblico i segreti della costruzione di una scena.

Il Teatro e il Suo Doppio è un evento realizzato dalla cooperativa socio-culturale En Kài Pan in collaborazione don l’Associazione Teatrale Aisthesis, il laboratorio di scrittura creativa Lalineascritta e Healthy.

Aspettando Godot il 27 marzo a Il Teatro e il Suo Doppio!

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Estragone – Andiamocene.
Vladimiro – Non si può
Estragone – Perché?
Vladimiro – Aspettiamo Godot.
Estragone – Già, è vero. (Pausa) Sei sicuro che sia qui?
Vladimiro – Cosa?
Estragone – Che lo dobbiamo aspettare.

Questo è un brevissimo stralcio di uno dei dialoghi fiume di Aspettando Godot, che, però, riassume la sua intera trama. Vladimiro ed Estragone aspettano Godot, lo aspettano per giorni, forse anni, addirittura millenni e Godot non arriva, o forse arriva ma non lo riconoscono, d’altra parte se quello che aspettiamo da tutta la vita finalmente arrivasse, siamo proprio sicuri che lo riconosceremmo? Chi è Godot? Forse è Dio, forse è la morte, forse è la salvezza o forse è solo un tizio che si chiama Godot. Forse. Non ci sono certezze nel teatro di Beckett, non sappiamo e non sapremo mai niente. La scena non ci aiuta, la prima didascalia recita Strada di campagna con albero. Sera e, in questo caso, non riassume solo lo spettacolo ma l’intera storia del teatro del Novecento. Da Beckett in poi il teatro abita in quella strada di campagna. Alla prospettiva razionale del Rinascimento, alla scena multipla del secolo d’oro del barocco, al milieu del teatro borghese si sostituisce una scena “metafisica”, al di fuori del tempo e dello spazio, dove non esiste tragedia e commedia, perché tutto è già avvenuto, solo che i personaggi non riescono a ricordarlo. Di tutto quello che sono stati gli rimangono solo dei gesti, che ripetono sempre uguali nella speranza che questi riescano ad evocare qualcosa o qualcuno: Godot magari.

In questo teatro dell’ “assurdo”, che assurdo in realtà non è, l’incertezza della storia è bilanciata dall’assoluta concretezza dei gesti, segnati come una partitura nel testo, al personaggio si sostituisce l’attore, alla rappresentazione la scrittura scenica ed è per questa ragione che Beckett è un maestro indiscusso di quel concetto di “moderno” che da sempre associamo al Novecento teatrale. Ma nell’evocare un mondo alla fine del mondo, aprendo le porte al futuro, Beckett ci riporta paradossalmente ad epoche passate, quando il teatro era la magica soglia in cui gli opposti coincidevano: passato e presente, cielo e terra, vita e morte.

Il teatro e il suo doppio

antonin%20artaud%20il%20teatro%20e%20il%20suo%20doppio%20einaudi%20prima%20edizione%20001 Quando fu pubblicato per la prima volta, nel 1968, Il teatro e il suo doppio di Antonin Artaud fu come una scure che divise in due il teatro italiano. Tutti coloro che avevano un’idea di teatro differente da quella che abitava nelle sontuose sale all’italiana, con le poltroncine rivestite di velluto rosso e attori-divi impegnati nei loro pezzi di bravura, e che nel fare teatro cercavano un’esperienza vitale, capace di coinvolgere sia gli attori che gli spettatori, fecero de Il teatro e Il suo doppio il loro vessillo. Di Artaud, in realtà, si discuteva già da qualche anno sulle pagine delle riviste di teatro, nel 1964 Peter Brook aveva attraversato l’Europa con il suo Teatro della crudeltà che si incarnava nella mitica messinscena del Marat/Sade di Peter Weiss e ormai sembrava che non si potesse fare teatro senza avere un’opinione su di lui, ma chi era in realtà Artaud? 001-antonin-artaud-theredlist Un attore vissuto trent’anni prima, che pur avendo lavorato con registi come Dreyer, Lang e Gance, forse non avrebbe lasciato nessuna traccia nella storia del teatro se non fosse stato per i suoi scritti visionari. In un’epoca in cui il cinema comincia a coinvolgere le masse e ci si interroga su quale possa essere la funzione del teatro, dal momento che ha perso la capacità di essere mimèsi della realtà, Artaud ribalta i termini del discorso: il teatro deve smettere di proporsi come un doppio della vita, ma diventare vita. E se il teatro diventasse più vero del vero, si chiede Artaud, se la realtà fosse un mero riflesso di un teatro che incarna la vita vera? Artaud evoca un teatro del futuro eppure primordiale – come quello espresso nei rituali degli indiani Tarahumara del Messico – che risvegli forze sepolte sotto la civiltà borghese, e lo fa con un linguaggio che parla soprattutto all’immaginazione. Il teatro, come la peste, deve invadere le strade, sovvertire l’ordine sociale e morale, creare un universo parallelo in cui l’esperienza umana sia centrale e amplificata. Il corpo dell’attore è al centro di questo teatro ed è un corpo modificato attraverso una disciplina “crudele”. L’attore, dice Artaud, deve essere come un serpente, in grado di percepire le vibrazioni della terra e di trasmetterle agli spettatori, come quello di un uccello il suo corpo deve essere privo di ossa e di pesantezza, deve essere in grado di parlare un linguaggio fatto di ideogrammi e usare la voce per esprimere puro suono. Oggi è impossibile avvicinarsi al teatro senza leggere Il teatro e il suo doppio, anche se le parole di Artaud possono sembrare incomprensibili, anche se ci sembra sperduto in un tempo lontano, in realtà lo ritroviamo nel lavoro di tutti i grandi maestri del Novecento, da Jacques Copeau a Pina Bausch. Prendiamo a prestito la sua espressione più famosa ed evocativa per presentare un serie di incontri in cui il teatro sarà ridotto all’ “osso”: da una parte le storie, dall’altra gli attori e gli spettatori, perché, come Artaud ancora ci insegna, il teatro esiste ed esisterà per sempre grazie al suo potere di rifondare la relazione tra gli uomini attraverso l’esperienza concreta del teatro. Il teatro genera altro teatro ed è questo che ci auguriamo.

La vita è sogno – Pedro Calderon de la Barca

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Un ippogrifo – animale fatato metà cavallo metà grifone – sbalza sul suolo di Polonia due strani personaggi. Uno è una donna travestita da uomo – Rosaura – che è partita dalla Spagna per cercare l’uomo che l’ha abbandonata e reclamare il suo onore, l’altro è Clarino, suo servo, che, come suggerisce il suo nome, non riesce mai a stare zitto.

I due si sono appena inoltrati tra le rocce su cui sono caduti che vedono una torre protetta da spesse grate. Da lì vengono rumori di catene e lamenti e curiosità vince la paura. Si avvicinano e guardano attraverso le grate. nella torre c’è un uomo, avvinto in catene e coperto di pelli, “uomo tra le fiere e fiera tra gli umani”, che, credendo di non essere visto, piange la sua misera condizione:

“Che sventurato e infelice son io!
Sapere, cieli, vi chiedo,
visto il male che mi è dato,
quali colpe ho mai commesso
contro di voi nel nascere,
se anche proprio nel nascere
so che stanno le mie colpe. (…)
Ma solo vorrei sapere
(lasciando da parte il fatto
che già nascere è una colpa),
in che cosa più v’offesi
per più punirmi, o cieli.
Gli altri non son forse nati?”

Rosaura non resiste, è tale la commozione per le parole dell’uomo che per consolarlo gli rivela la sua presenza e Sigismondo, questo il nome dell’uomo, appena la vede, pur credendola un ragazzo, si innamora di lei e le racconta le sue sventure. E’ nato e cresciuto in quella torre, condannato ad espiare colpe che non conosce.

La vita è sogno di Pedro Calderòn de la Barca, capolavoro del siglo de oro del teatro spagnolo, inizia con un incontro che è anche un rispecchiamento, perché Rosaura e Sigismondo sono uguali, entrambi cercano vendetta ed entrambi per averla devono scoprire chi sono.  Questo rispecchiamento, come una magia,  provocherà uno sdoppiamento della realtà che travolgerà tutto e tutti.
Rosaura sarà uomo e donna, Sigismondo prigioniero e re e la realtà diventerà sogno perché solo dai sogni si può imparare, in quanto

“Cos’è la vita? Delirio.
Cos’è la vita? Illusione,
appena chimera ed ombra,
e il massimo bene è un nulla,
ché tutta la vita è sogno,
e i sogni, sogni sono.”

27 febbraio – Il Teatro e il Suo Doppio

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Venerdì 27 febbraio alle 19 da Healthy si terrà la prima delle 5 lezioni-spettacolo organizzate da En Kài Pan in collaborazione con l’Associazione Teatrale Aisthesis e il laboratorio di scrittura creativa Lalineascritta. La lezione si occuperà della costruzione della scena barocca de La vita è sogno di Pedro Calderon de la Barca. Il teatro e il suo doppio è l’occasione per leggere e rileggere, in maniera diversa le storie più famose della nostra tradizione teatrale, che grazie all’aiuto di un regista e degli attori prenderanno vita davanti ai nostri occhi mano a mano che verranno raccontate.

Per info e prenotazioni
3396235295
coop.enkaipan@gmail.com

Il Teatro e il Suo Doppio – Dal 27 febbraio!

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Il mito di Don Giovanni, l’amore impossibile di Romeo e Giulietta e di tutti i loro, più o meno sfortunati discendenti, le terribili scelte di Madre Courage: molte delle storie che ci raccontiamo vengono dal teatro, eppure è molto probabile che non le abbiamo mai realmente viste su un palcoscenico o che non abbiamo mai letto i testi da cui sono tratte. Il teatro e il suo doppio è l’occasione per leggere e rileggere, in maniera diversa le storie più famose della nostra tradizione teatrale, che grazie all’aiuto di un regista e degli attori prenderanno vita davanti ai nostri occhi mano a mano che verranno raccontate.

Il teatro e il suo doppio è un ciclo di cinque lezioni-spettacolo, che si terranno dalle 19 alle 21 nella book area di Healthy in via Merliani 128, dal mese di febbraio a giugno 2015.

DATE

27 febbraio 2015
La scena barocca
Pedro Calderòn de la Barca, La vita è sogno

27 marzo 2015
La scena metafisica
Samuel Beckett, Aspettando Godot

17 aprile 2015
Il carattere del personaggio, dalla Commedia dell’Arte al dramma borghese
Molière, Don Giovanni

22 maggio 2015
Il gesto del personaggio, dal non detto alla nevrosi
Anton Cechov, Zio Vanja 

12 giugno 201
L’inevitabile frammentazione del reale
Georg Büchner, Woyzeck
Bertold Brecht, Madre Courage e i suoi figli

COSTI

Per partecipare a Il teatro e il suo doppio è previsto un biglietto d’ingresso di 15 euro ad evento;
10 euro per studenti e corsisti de Lalineascritta;

55 euro per chi acquista l’intero pacchetto di cinque conferenze-spettacolo;
45 euro per studenti e corsisti de Lalineascritta.

Per info e prenotazioni
Tiziana Sellato, 3396235295
coop.enkaipan@gmail.com